ArtistS in FOCUS pARIS 2021

Marta Luiza

Marta Luiza

Mary YAMINE

Mary YAMINE

Hom NGUYEN

Hom NGUYEN

WANG Pai Duang

WANG Pai Duang

Luise ELLERBROCK

Luise ELLERBROCK

Wolfgang STILLER

Wolfgang STILLER

Laurence SAUVIGNON

Laurence SAUVIGNON

Laurence Sauvignon est une artiste française née à Dijon. Ses débuts dans la peinture datent de son enfance, où elle pratiquait le dessin sur les tables de son école.
C’est à Clermont Ferrand que commence sa vie d’artiste en tant que telle, elle y remporte le prix des artistes de rue en niveau débutant en 2016, puis en niveau confirmé en 2017. Dès lors elle réalise plus de soixante toiles sur le thème de la vie Clermontoise, elle peint donc “toutes les scènes urbaines vivantes” qu’elle peut observer, sur différents formats et avec des matériaux divers tels que l’acrylique, l’huile sur toile, l’aquarelle ou encore le café sur toile.
Elle réalise plusieurs expositions en tant qu’amateur, et une performance de peinture au café à Bordeaux en 2020.
Une autre production artistique de cette artiste est celle de bouteilles dont les étiquettes portent une image de ses œuvres ou d’autres représentations artistiques, et qui sont remplies de vin, d’urine voire de sang.
Démarche artistique
Dans toutes ses toiles se reflètent son identité et ce d’autant plus lorsqu’elle traite de sujets tels que les vignes, car elle possède la propriété artistique de son nom mais pas la propriété industrielle. Son nom qui ne lui a pas toujours été favorable, pendant toute une période elle se sentait comme enfermée dans une bouteille, et elle s’en est servie en créant son œuvre : acide urique.
Elle s’inspire de photos qu’elle prend elle-même pour les peindre. Pendant la crise sanitaire, elle a continué à peindre en s’inspirant de photos trouvées à la bibliothèque, notamment afin de contrebalancer le confinement.
"L'excrétion, est le musc des humeurs
Qui récolté et mis en bouteille,
Permet la vie de l'esprit au-delà du corps". Laurence Sauvignon.

Julien CLAR

Julien CLAR

Julien CLAR est né à St Vallier en 1984. En première, il décide d’abandonner les études générales et de se lancer dans le monde du travail. Après plusieurs expériences professionnelles diverses il a acquis des compétences dans des domaines variés. Dès lors, il a cherché à donner du sens à son travail et il l’a trouvé en devenant auto-entrepreneur dans le domaine de l’artisanat. Il préfère être libre dans sa créativité et son imagination et ainsi produire des œuvres non pas sur commande détaillée mais en cherchant ce que le client souhaite réellement obtenir dans sa création.

“Imaginer, créer et fabriquer : en trois mots, ce qui me fait rêver. Enfant, c’était le papier qui me fascinait à travers l’Origami puis la Kirigami. Aujourd’hui la feuille de papier remplacée par une feuille de métal m’offre des possibilités exponentielles de fabrication et de création, ayant pour seule limite l’imagination.”


Que ce soit par la géométrie classique ou bien sacrée, par la lumière émise ou même reçue, ou encore par l'aspect visuel ou tactile, sa démarche vise à exploiter la force des différents éléments pour leurs donner la place idéale dans l'espace dédié.

“Varier les matières, les mélanger, les associer est l’objet de mon travail – VOIR AUTREMENT – Par cette lucarne, même « l’erreur » peut être perçue et utilisée comme une solution. Des moyens parfois insensés permettant malgré tout d’atteindre le but désiré.”

Rêveur dans l'âme, ce sont les ondes beta qui stimulent l’artiste. Son objectif est donc toujours le même, attirer par le regard, puis capturer par l'esprit. Séduire le conscient pour happer l'inconscient.

Erik WICKSTRÖM

Erik WICKSTRÖM

Il y a environ deux ans, l’artiste a commencé à développer un code d'expression photographique semi-abstrait, similaire au light-painting sans pour autant utiliser la même technique.

L'image trouve sa source dans les traits et les masses lumineuses capturés dans un geste en mouvement.
Il ne s'agit plus de représenter un moment ou un lieu distinct. L'essence de ce langage repose dans la figuration du mouvement, qui est la trajectoire dessinée dans les dimensions du temps et de l'espace.
Son travail, comme une oeuvre musicale, revêt une dimension à la fois spatiale et temporelle, en commence à un endroit pour terminer plus loin. Les images invitent l'observateur à se laisser transporter, immergé dans le mouvement graphique.

L'intérêt de l'utilisation de cadres rétro-éclairés est de mettre en relief les énergies inhérentes des photographies, et de donner vie à la composition de par sa forme, ses traits, ses couleurs...
Ce sont autant d'éléments qui font appel à nos sens, à notre imagination et à nos perceptions sensorielles.

Sa conception de la photographie est la suivante : voir non pas d’un œil de spécialiste, mais plutôt du point de vue d’un observateur qui est attiré par la curiosité et les différentes essences de la vie. Il choisit donc de ne pas se limiter à un seul type de photographie. En effet, l’artiste préfère garder une certaine liberté dans son moyen d’expression, il souhaite s’exprimer de manière sensible, et être un photographe qui porte un intérêt pour des sujets importants. Ainsi il apporte une subtilité, une véritable histoire, et souhaite faire la différence à un niveau multidimensionnel.

Emmanuelle HENRY

Emmanuelle HENRY

Emmanuelle a été diplômée en 2004 de l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de Design de Nancy en option Design Graphique. Elle a commencé à peindre sur toile à l’âge de 12 ans.
En 2005, elle intègre PARTNERS FINANCES en tant qu’analyste financière. Dès lors, elle arrête pendant une période de dix ans la peinture pour se consacrer à sa carrière et à ses nombreuses évolutions professionnelles.
Dix ans plus tard, en 2015,Dès 2015, elle souhaite renouer avec ses premières aspirations, et elle reprend donc la peinture.
En octobre 2020, elle quitte son poste pour s'y consacrer pleinement, et elle espère pouvoir s’y dédier encore très longtemps.

LLe travail de peinture de l’artiste puise ses inspirations dans les grands mouvements du début du XXème siècle tels que le cubisme et le surréalisme, tout en s’inspirant, des mouvements plus récents tels que le street-art et l’art digital dans la représentation.
Ses œuvresDes rendus très précis qui sont à la fois inspirés des mouvements du siècle précédent, et qui se veulent également très excessivement contemporains.

Elle puise ses sujets autant au travers de faits de société qu’au travers de ses ressentis et émotions personnelles.
Le tableau “De l’air…” a par exemple a été réalisé durant le second confinement. Cette œuvre aborde le confinement de l’air à travers la bulle de chewing-gum, les bulles de savons, et s’attache également à marquer l’arrêt du monde de la culture et l’enfermement des artistes devenus, dans cette période, “non essentiels”.

Charles KOUANG

Charles KOUANG

Charles Kouang, dit « Kouang C », est un artiste peintre d’origine camerounaise né en 1981 à Lyon, qui vit et travaille à Paris.
Ancien publicitaire, Kouang C débute sa carrière artistique à 32 ans par sa rencontre avec l’art abstrait., Il intègre sa philosophie et ses diverses techniques picturales qu’il intègre ensuite dans son processus de création. Par la couleur, le geste et la matière, l’artiste est en quête de la composition parfaite à contenu universel.

SesSon travail s’identifie aux coups de peigne expressifs, sonaux geste s picturaux larges et vifs, et ses aux matières granulées qui font jaillir de la toile des fragments colorés pour captiver le spectateur. Ces fragments sont les éléments qui donnent à voir l’intense luminosité de son travail.

Ses formes et ses couleurs hyperboliques éveillent le subconscient du spectateur et entrent en résonance avec son âme. Le rapport entre la consistance, la -couleur et le- fragment est au cœur de sa démarche artistique.

Son œuvre questionne les problématiques contemporaines telles l’existentia. Kouang C façonne sur toile des thématiques personnelles telle que la spiritualité, sa “« connexion avec l’univers” ». L’artiste travaille actuellement sur une série intitulée « Connected in the forest » dans laquelle il retranscrit ses émotions, sa connexion avec la force de la nature et avec laquelle il entretient un sentiment de bien-être, d’existence, de vitalité, de vibrations positives qui jaillissent en lui et qu’il transmet à son entourage.

Brigitte PARMENTIER

Brigitte PARMENTIER

Brigitte Parmentier a étudié à l’école d’art de Calais où elle a appris les techniques de sculpture, de transparence (utilisation de l’aquarelle et de l’encre de chine), les couleurs ainsi que les bases de l’histoire de l’art moderne.
Engagée dans la promotion de l’art, elle a co-organisé des événements culturels dans sa ville entre les différents confinements successifs qui ont eu lieu en France. Elle a également exposé ses œuvres dans différentes galeries : l’abbaye de Belval à Troisvaux, Mini Art Studio à Calais, et elle a participé à quelques expositions collectives.


L’acrylique cellulaire est une technique où la peinture acrylique est additionnée à différents médiums que l’on chauffe au chalumeau,et qui est ensuite retravaillée une fois sèche.

Le résultat diffère alors selon différents facteurs, comme le nombre d’additifs ajoutés, le niveau de fluidité du médium réalisé, ou encore le temps de chauffe de celui-ci. Cette technique laisse donc une place importante à l’instantanéité de la réaction chimique, accompagnée de la maîtrise de ce médium, bien particulier à travailler, et de l’orientation du résultat souhaité. L’artiste et le médium s’ajustent l’un à l’autre, entre interactions et maîtrise du résultat.

Une fois l'œuvre séchée, l’artiste aime la retravailler soit en ajoutant de la peinture ou du pastel, soit en y incorporant des éléments tels que des perles, des feuilles à dorer, des médiums 3D et autres. L’acrylique cellulaire permet ainsi de réaliser des œuvres tant figuratives qu’abstraites.